convergência cinefila

TEMPOS DE LOBO - 2003

2012-03-09T10:51:00.000-08:00

Le temps du loup, 2003

Legendado, Michael Haneke

Classificação: Bom

Formato: AVI

Áudio: francês

Duração: 113 min.

Tamanho: 700 MB

Servidor: Jumbofiles (3 partes) e 4shared (torrent)

LINKS

Parte 1

Parte 2

Parte 3

Torrent

Filme+legenda

SINOPSE

Quando Ana, a filha adolescente e o filho de 12 anos chegam para passar um feriado num sítio, encontram-no ocupado por estranhos que se recusam a sair do lugar. Procuram ajuda com os vizinhos, mas eles não podem confiar em mais ninguém: toda a sociedade, de uma hora para outra, perdeu os valores da civilização, viraram nômades e podem atacá-los a qualquer momento. Sem comida e nem água, no meio da noite, mãe e filhos tentam encontrar abrigo e acabam por encontrar um rapaz que sobrevive de restos de cadáveres. Continuando a jornada tétrica, eles seguem por uma linha de trem e chegam a uma estação onde um grupo espera por um hipotético trem. Mesmo com a dignidade perdida, algumas pessoas têm sensibilidade para a poesia e o amor.

Fonte: Filmow

The Internet Movie Database: IMDB

ANÁLISE

A ficha técnica de Tempos de Lobo é exibida em silêncio. O procedimento, aparentemente banal, é importante, pois age sobre o espectador como um ritual fúnebre destinado a romper com as sensações do mundo real antes de se entrar em uma fabulação sombria sobre o fim de um determinado mundo (mais que "do mundo"). Que mundo é esse? A civilização européia. Quase todos os filmes de Michael Haneke tratam desse fim europeu. Mostram a degradação violenta de um padrão e de um projeto. Nos anteriores, o tema era aludido, estava por trás das ações, reações e relações dos personagens-símbolos. Em Tempos de Lobo, tudo está explícito. Haneke filma esse mundo em ruínas e o embrutecimento das pessoas por meio da perambulação de uma mulher "recém-enviuvada" e seus dois filhos. Eles procuram ajuda em uma zona rural sob névoas e afetada por falta de água e comida. Encontram apenas uma comunidade que, em busca de solução para o caos, na verdade apenas o evidenciam mais. Em determinado momento, alguém pergunta a outro alguém? "Você é de onde?" Resposta: "Que diferença faz?". Nenhuma. Todos são refugiados. Não importa origem ou classe social. Naquele universo multinacional, todos estão na lama, e até o novo europeu, um menino, projeção da Europa das novas fronteiras, da nova moeda e das novas ambições, apenas vê tudo em silêncio. E não vê à frente. Impotência.

Embora possa parecer disparatada, a visão de Haneke é próxima da de Danny Boyle, outro cineasta que, em registro diferente, mostra a implosão de um projeto de sociedade. Nos dois casos, algo está evidenciado: o homem é um produto histórico-cultural, mas também é um animal nem sempre domável. Em determinadas circunstâncias, joga fora seu aprendizado social. Boyle parte dessa abordagem para fazer espetáculo. O desastre fica agradável de ver. Haneke propõe exasperação. Esforça-se para desagradar porque, crê, não há nada agradável para se mostrar. Tempos de Lobo, nesse sentido, é bastante hanekiano. Na desordem da nova ordem, reina a barbárie. Mata-se, rouba-se. Há intolerância. Tenta-se agir em grupo, mas, como não se entra em acordo sobre a estratégia da ação, a convivência é pura tensão. E não há nenhuma esperança, do início ao final, em relação a melhores tempos. Ao contrário. O desfecho, de aparência otimista, como a acenar com uma possibilidade de solidariedade na desgraça, é cínico à beça e apenas ressalta o ceticismo. Esse é o ponto de vista do cineasta sobre os europeus. Concorde-se ou não, é a visão dele, fruto de sua vivência, de sua cultura, de seu ambiente. Resta nos ver como ele a transforma em estética e conflitos. Pois é. Sua fragilidade está em expor suas idéias sem convertê-las em imagens poderosas. Eduardo Valente acredita que o filme decepciona a todos: tanto aos admiradores de Haneke como quem não o topa. Pode ser. Em relação a Violência Gratuita e Professora de Piano, por exemplo,Tempos de Lobo é cinematograficamente anêmico. Um bocejo.

Naqueles dois filmes, apesar do distanciamento em relação aos personagens e do desprezo revoltado contra a desordem, marcas de seu cinema, Haneke mostrava suas garras. Era capaz de arranhar as sensações do espectador, perturbar o olhar e criar situações tremendamente desagradáveis, sem no entanto explicitar nada, pois movido pelo poder da sugestão. Em Tempos de Lobo, não há nada disso. Pouca tensão, pouca manipulação. Haneke parece ter resolvido criar uma distância ainda maior dos personagens para expor com ainda mais revolta seu desprezo por toda aquela decadência em vias de chegar a um definitivo fundo do poço. Não só tematiza a letargia diante da queda como a reproduz. Pode ser coerência artística, mas resulta em impotência. No entanto, em uma sequência, na qual joga com a incapacidade do espectador de chocar-se com o sofrimento humano, mostra-se brilhante. Filma em primeiro plano o pescoço de um cavalo sendo cortado.

Reação inevitável: na sessão de 20 de outubro, na Mostra Internacional de Cinema de São Paulo, alguém gritou. Dava até para ouvir o diretor rindo da eficácia de seu golpe. Gente passando fome e devorando-se uns aos outros é suportável, faz parte. Cavalo morrendo, não. Haneke diz pela imagem que, como nada mais choca ninguém, ali teve de apelar. É sua forma de clamar por ordem e civilidade em um mundo onde para ele isso é só utopia.

Análise retirada do site Contracampo

ENTREVISTA AO REALIZADOR

A que se refere o título do filme?
Tirei-o do “Codex Regius”, o mais antigo poema alemão e mais precisamente do “Song of the Sightseer”, que descreve um tempo antes do “Ragnarök”, o fim do mundo.
O que é perturbador em O Tempo do Lobo é que o material narrativo pertence à ficção científica, mas o filme não se parece nada com esse género. Não há nenhuma semelhança com a “fantasia”, com algo que seja futurista. O que permanece é o “aqui e agora”, o presente puro.
Penso que na nossa sociedade, todas as pessoas já pensaram, em determinada altura, numa grande catástrofe. Nem é preciso ver televisão todos os dias para isso. Fosse uma guerra, um acto terrorista, uma catástrofe ecológica ou cósmica não mudaria muito. Isso não é importante. A única questão é: “Qual será a minha reacção e qual a do meu vizinho?”. O que faremos para enfrentar uma mudança tão grande? O quão rijo é o verniz da nossa sociedade? Até que ponto os nossos valores aguentam? Como nos vamos comportar com os outros num caso destes? Foi isso que quis explorar em O TEMPO DO LOBO. Quis fazer um filme limpo dos aspectos espectaculares do género “filme catástrofe”.
Esta situação existencial extrema é um motivo recorrente nos seus filmes. Sempre tratou essas situações como se fossem situações de todos os dias, evidentes, banais.
Quando as situações extremas são mostradas no cinema podemos cair facilmente no exagero. Este exagero pode torná-las implausíveis.
É isso que se deve evitar. Por isso o realizador tem de pensar nos meios narrativos que usa para basear a plausibilidade da história. Isto significa que tudo o que estiver para além da experiência dos espectadores incita a uma consideração da história como simples entretenimento e afasta-os do filme. A melhor e mais segura forma de evitar isto é a precisão.

O TEMPO DO LOBO NÃO SE PASSA ESPECIFICAMENTE EM NENHUM LUGAR OU TEMPO. É UM FILME SOBRE A EUROPA? OU ATÉ ISTO QUIS QUE FOSSE INCERTO?
Nunca pensei nisso. Quis que a situação acontecesse num ambiente familiar – meu e dos espectadores – para aumentar o potencial da identificação. Concordo que esta situação modelo fosse diferente noutra situação social ou climática. Como todos os meus filmes, a história fala do nosso mundo hiper-industrializado, da sociedade do supérfluo, e das pessoas que conseguem viver confortavelmente nas conveniências desse mundo. Só posso falar sobre estas coisas porque fazem parte do domínio da minha experiência. Tudo o que vai além deste contexto é do domínio do exotismo.

UMA QUESTÃO MUITO SIMPLES: O SEU FILME TEM PREOCUPAÇÕES SOCIAIS?
Não tenho uma mensagem para enviar, nem uma fórmula para resolver o problema apresentado. O filme não é didáctico. É uma tentativa para transpor coisas que observei e jogar com as possibilidades dramáticas da questão colocada. Se vê uma preocupação social como uma tentativa de perceber o outro como alguém que deve ser levado a sério, isso não me incomoda. Mas espero que as situações representadas sejam complexas o suficiente para não serem reduzidas a clichés.

entrevista por Stefan Grissemann

Especial Aleksandr Petrov (Novos links)

2012-03-08T16:43:00.001-08:00

A VACA, 1989

Legendando, Aleksandr Petrov

Formato: RMVB

Áudio: russo

Legendas: português

Duração: 10 min.

Tamanho: 99 mb

Servidor: Rapidshare (1 parte)

LINK

http://rapidshare.com/files/407024527/A_vaca.rar

SINOPSE

Belíssima animação, "Korova" narra as memórias de uma criança sobre seu relacionamento com uma vaca que integrava o quotidiano de uma família rural.

SEREIA, 1997

Legendado, Aleksandr Petrov

Formato: RMVB

Áudio: -

Legendas: -

Duração: 10 min.

Tamanho: 169 mb

Servidor: Crocko (Parte única)

LINK

Parte única

SINOPSE

Sereia é um envolvente conto sobre um monge e o seu noviço, que vivem à beira do mar. À medida que a história se desenrola, descobre-se que o monge, muitos anos antes, traíra a sua noiva e que esta se suicidara.

O VELHO E O MAR, 1999

Legendado, Aleksandr Petrov

Formato: RMVB

Áudio: russo

Legendas: português

Duração: 20 min.

Tamanho: 82 mb

Servidor: Rapidshare (1 parte)

LINK

http://rapidshare.com/files/407904848/O_velho_e_o_mar.rar

SINOPSE

Ganhador do Oscar em 2000 como melhor curta animado, a adaptação do clássico de Ernest Hemingway, “O Velho e o Mar” é uma obra prima do animador russo Alexander Petrov.O curta com pouco mais de 20 minutos de duração, demorou pouco mais de 2 anos para ser produzido, pois Petrov pintou a óleo e fotografou cada um dos 29 mil frames em quadros de vidro. Para quem não sabe, O Velho e o Mar foi o último livro de Hemingway publicado durante a sua vida e conta a história de um velho pescador que decide enfrentar o alto mar em busca de um peixe gigante.

MEU AMOR, 2006

Legendado, Aleksandr Petrov

Formato: AVI

Áudio: russo

Legendas: português

Duração: 26 min.

Tamanho: 229 mb

Servidor: Crocko (Parte única)

LINK

Parte única

SINOPSE

No final do século 19, o jovem estudante Anton, de 16 anos de idade, passa a viver num mundo de sonhos depois que se entrega à dúvida entre seu primeiro amor e o desejo por uma "femme fatale".Este curta animado - inspirado nas pinturas impressionistas de Pierre-Auguste Renoir e Paul Cézanne - levou três anos para ser concluído. São apenas 26 minutos nos quais o diretor e animador russo Aleksandr Petrov pintou quadros de vidro a óleo para então fotografá-los. Em vez de pinceladas, o diretor usa os próprios dedos mergulhados em tinta.

SONHO DE UM HOMEM RIDÍCULO, 1992

Legendado, Aleksandr Petrov

Formato: AVI

Áudio: russo

Legendas: português

Duração: 20 min.

Tamanho: 325 mb

Servidor: Jumbofiles (2 partes)

LINK

Parte 1

Parte 2

SINOPSE

A personagem sabe-se ridícula desde a infância e já não tem mais nenhum interesse em continuar a viver. Num dia inútil como todos os outros, em que mais uma vez esperava ter encontrado o momento de se matar, é abordado por uma menina que clamava por ajuda. Ele não só recusa o apoio à criança, como a espanta aos berros. Ao voltar para casa, não consegue dar fim à sua existência. Adormece e sonha. Ele narra como conheceu a verdade em toda a sua glória e mostra como tudo aquilo deve ter sido real, pois as coisas terríveis que sucederam não poderiam ter sido engendradas num sonho.

FIM DE PARTIDA - 2000

2012-03-06T18:53:00.000-08:00

Endgame, 2000

Legendado, Conor McPherson

Classificação: Bom

Formato: AVI

Áudio: inglês

Duração: 84 min.

Tamanho: 450 MB

Servidor: Jumbofiles (2 partes)

LINKS
Parte 1

Parte 2

SINOPSE

Em "Fim de Partida", Beckett conta a história de Hamm e Clov, presos em um abrigo à beira-mar. O leitor compartilha do desconforto ao qual os personagens estão submetidos. Propriamente enlatados, eles travam diálogos herméticos sobre a condição humana, a solidão e a antirrelação que estabelecem.

Hamm é um artista fracassado. Encontra-se cego e paralítico. Clov é seu serviçal, e possui uma doença que não o permite sentar. Nagg e Nell também têm mutilações. Vítimas de um apocalipse emocional, os quatro dividem um abrigo. Espiam o mundo, ou melhor, o que restou dele, pela luneta de Clov. Estão em fim de partida, no limite de suas condições humanas.

The Internet Movie Database: IMDB

Uma breve introdução ao Teatro do Absurdo

A fama de Beckett se deve mais ao livro "Esperando Godot" do que aos seus demais trabalhos. Suas peças colocaram no centro o Teatro do Absurdo, um dos movimentos teatrais e literários mais importantes surgido após a II Guerra mundial.

Esse movimento literário dramático, estabelecido e desenvolvido entre as décadas de 1950 e 1960, o qual revolucionou o drama inglês e mundial, além de ter conectado dramaturgos como Edward Albee, Eugene Ionesco, Harold Pinter, Jean Genet, Vaclav Havel, cujos trabalhos são expressões de suas experiências pessoais, foi caracterizado por Albert Camus, em seu livro "O mito de Sísifo", como Absurdo ou Absurdidade (Absurdity). As experiências pessoais dos autores e seus sentimentos diante de certos acontecimentos são as principais fontes de inspiração de todas as suas imagens teatrais, refletindo seus estado de mente e de espírito. Os sentimentos de Absurdo ou Absurdidade (Absurdity), como uma motivação literário-criativa, ligando uma série de autores literários e filósofos, é também evidente em quatro peças de Beckett: Endgame, Happy Days, Krapp's Last Tape, and Waiting for Godot.

Samuel Beckett

Absurdo ou Absurdidade é uma palavra-chave nos escritos dramáticos de Beckett e dos demais escritores ligados ao gênero Teatro do Absurdo. Uma das mais básicas questões filosóficas é se há algum significado em nossa existência. A necessidade humana de uma explicação unificadora do mundo sempre foi satisfeita pela religião e pelos criadores de sistemas filosóficos, que deram significados diversos à existência humana. o desejo "natural" de conhecer e compreender o mundo em suas esferas mais recônditas foi satisfeita por dogmas religiosos a cerca da existência de Deus, o qual garantiu a contingência da vida humana. Em 1883, Friedrich Nietzsche publicou o que viria a ser sua obra-prima "Assim falou Zarathustra", onde apareceu a famosa tese "Deus está morto". A partir da publicação de "Assim falou Zarathustra", as velhas certezas da vida cotidiana começaram a ser questionadas. A I e a II Guerra Mundial causaram uma profunda depressão econômica e milhões de vidas foram perdidas, o que trouxe como resultado um mundo ausente de qualquer princípio unificador, um mundo sem sentido e desconectado com a vida humana. Se a pessoa percebe a ausência de sentido, e está é uma expressão que bem representa o espírito da época na qual está enraizada o Teatro do Absurdo, o mundo se torna irracional e o conflito entre o mundo e o indivíduo aparece com toda a força. Martin Esslin menciona um conceito de Absurdo formulado por Ionesco: "Absurdo é o que é desprovido de sentido (...). Cortado (desligado) de suas raízes religiosas, metafísicas e transcendentais, o homem está perdido; todas as suas ações se tornam sem sentido, absurda e inúteis".

Albert Camus (1913-1960), um ensaísta e novelista francês, que elaborou uma teoria do absurdo e que também aplicou sua tese de Absurdo em seus escritos literários, lida com o absurdo da existência humana, demonstrando-o literalmente com o legendário mito de Sísifo no livro "O mito de Sísifo". Camus tenta responder a duas perguntas: "Que é o absurdo" e "como ele surge". Para isso, ele se utiliza de categorias ontológicas: "adensamento" e "estranheza ou estranhamento do mundo" ("the strangeness of the world"), que são os sentimentos do absurdo ante os quais o homem se depara em um mundo de declínio de crenças religiosas, que privou o homem de suas certezas.

(...)

O absurdo ou absurdidade consiste em um permanente conflito, é uma contradição e, por isso, também é uma luta.

Continue lendo em samuel-beckett.net

PI - 1998

2012-03-06T14:39:00.002-08:00

Pi, 1998

Legendado, Darren Aronofsky

Classificação: Bom

Formato: AVI

Áudio: inglês

Duração: 84 min.

Tamanho: 620 MB

Servidor: Jumbofiles (3 partes) e 4Shared (torrent)

LINKS
Parte 1

Parte 2

Parte 3

Torrent

Filme+legenda

SINOPSE

Max é um homem brilhante e atormentado, que está prestes a fazer a mais importante descoberta de sua vida: decodificar o padrão numérico por trás do mercado de ações. À medida que vai se aproximando da solução, o caos vai engolindo o mundo à sua volta. Ele é perseguido por uma agressiva firma de Wall Street determinada à dominação financeira, bem como por uma seita que tem a intenção de desvendar os segredos por trás de seus antigos textos sagrados.

Fonte: Cineplayers

The Internet Movie Database: IMDB

ANÁLISE

A seqüência de Fibonacci, uma equação matemática em que o número seguinte deve ser sempre a soma dos dois anteriores, é um dos mistérios mais intrigantes da natureza. Essa é uma questão que vem intrigando matemáticos desde o século XII, quando a teoria foi colocada no papel por um estudioso italiano que lhe emprestou o nome. A equação tem aplicação prática na bolsa de valores, na botânica, na anatomia e em várias outras disciplinas, tão distintas entre si quanto um elefante e uma bicicleta. Também um cineasta foi hipnotizado pelo mistério de Fibonacci: Darren Aronofsky, o autor de “Requiem para um sonho”. Ele construiu o enredo da sua estréia cinematográfica em torno dessa equação.

Darren Aronofsky

“Pi” (EUA, 1998) é um excêntrico thriller de suspense que tenta, de maneira errática e nem sempre consistente, fazer uma improvável conexão entre Ciência e Religião, misturando a Torá (o livro sagrado dos judeus), a Teoria do Caos, Fibonacci e a bolsa de valores. Aronofsky já confirma, a partir de um pequeno filme independente de US$ 60 mil, que é um dos diretores mais polêmicos, verborrágicos e ambiciosos em atuação na Hollywood do século XXI. Ele compartilha com David Fincher, de “Clube da luta”, um par de características pouco comuns na indústria cinematográfica: uma grande (às vezes, um pouco ingênua) preocupação político-social, e um cuidado quase barroco com o material que filma.

As produções de ambos possuem sempre uma direção de arte extremamente detalhada, além de montagem picotada e edição acelerada. Isso dificulta um bocado a vida do espectador, que precisa manter um nível de atenção acima do normal para acompanhar os filmes. Por sorte, isso não acontece tanto em “Pi”, muito provavelmente por causa do orçamento ridículo do filme. A obra, independente, foi filmada em preto-e-branco, com atores amadores e objetos cênicos improvisados. Curiosamente, essas características acabam sendo úteis, pois ajudam a manter o foco naquilo que realmente interessa: a trama intrigante. Por causa dela, Aronofski levou o prêmio de melhor diretor em Sundance, em 1998, e entrou em Hollywood pela porta da frente.

O protagonista é Max Cohen (Sean Gullete). Max é um gênio da informática que sofre de ataques periódicos de uma dor de cabeça enlouquecedora. Ele vive trancado em um pequeno apartamento de Nova York e possui uma obsessão em interligar a seqüência de Fibonacci com a Teoria do Caos. As duas idéias juntas, ele imagina, podem ser a chave para descobrir um número de 216 dígitos capaz de esclarecer uma improvável ordem no caos do sobe-e-desce das bolsas de valores. Embora a idéia seja aparentemente um desatino, logo surge uma misteriosa empresa de Wall Street que deseja financiar a pesquisa de Max. E a grana aparece sem a menor dificuldade.

Enquanto isso, o rapaz divide seu tempo entre as pesquisas furiosas e partidas de xadrez com um velho matemático. Nesse intervalo, conhece Lenny (Ben Shenkman), um rabino que lhe procura com uma estranha proposta para que o ajude a encontrar uma informação tida pela Torá como uma espécie de senha para estabelecer uma comunicação direta com Deus. Em meio às alucinações cada vez mais freqüentes causadas pela dor de cabeça descomunal, Max começa a acreditar que a sua pesquisa pde vir a esclarecer muitos mistérios da natureza… e talvez até o ajude a descobrir a verdadeira identidade do Criador.

Sinopse estranha? Pois, acredite, o filme em si é ainda mais esquisito. A escura fotografia em preto-e-branco ajuda a mergulhar o longa-metragem em um clima alucinatório, onírico, perto do que Roman Polanski fez no legendário “Repulsa ao sexo”. E a condução do enredo, embora irregular (o ritmo varia entre o lento e o alucinado), leva a um final coerente, embora muito aberto e, de certa forma, circular – por isso decepcionante para muita gente.

No final das contas, “Pi” não é exatamente um suspense, mas pode ser um longa-metragem fascinante, desde que você seja o tipo de espectador que sempre teve algum tipo de questionamento metafísico a respeito da natureza do divino.

Análise retirada do site Cinereporter

O VÍDEO DE BENNY - 1992

2012-03-05T10:03:00.000-08:00

Benny's video, 1992

Legendado, Michael Haneke

Classificação: Bom

Formato: AVI

Áudio: alemão

Duração: 105 min.

Tamanho: 700 MB

Servidor: Jumbofiles (3 partes) e 4Shared (torrent)

LINKS

Parte 1

Parte 2

Parte 3

Torrent

Filme+legenda

SINOPSE

O filme segue a trajetória lenta, mas inevitável, de violência na vida de Benny (Arno Frisch), um rapaz alienado mas extremamente inteligente, obcecado com imagens violentas. Ele assiste a filmes de horror no seu quarto, sob a indiferença dos pais - que se orgulham de proporcionar a ele liberdade. O vídeo preferido de Benny é o da matança de um porco que ele mesmo filmou. Benny assiste a esse vídeo por vezes seguidas, em câmera lenta, estudando cada fase do ato violento. Ele então encontra uma menina numa locadora do bairro e a convida para casa para mostrar a ela alguns de seus vídeos. Depois de mostrar o vídeo da matança do porco, Benny mostra à menina a arma usada no sacrifício. Então, com a câmera ligada e a filmar, mata a garota. Sem nenhuma emoção, assiste em seguida o vídeo.

The Internet Movie Database: IMDB

A GENIALIDADE QUE PERTURBA

Autor: Pedro Garcia

A crítica social e a análise psicológica são os dois principais pilares de sustentação da obra de Michael Haneke. O primeiro está presente de forma poderosa em filmes como Código Desconhecido (2000) e O Tempo dos Lobos (2003). Já o segundo carrega títulos marcantes como A Professora de Piano (2001) e Caché (2005). Talvez o grande diferencial de uma produção anterior, O Vídeo de Benny (1992), a segunda de sua filmografia, seja a forma inteligente como o diretor soube unir esses dois elementos.

Aqui, narra-se a história de um adolescente (Arno Frisch) que mantém uma relação distante com os pais, interpretados por Angela Winkler e Ulrich Mühe, este em sua primeira parceria com Haneke - mais tarde, faria O Castelo (1997) e Violência Gratuita (1997). O jovem passa a maior parte do tempo sozinho em seu quarto escuro, alimentando o vício em televisão e vídeos, violentos em sua maioria. Em um final de semana em que os pais viajam, Benny leva para casa uma garota (Ingrid Stassner) que acaba de conhecer. Após mostrar a ela uma de suas imagens favoritas, do abate de um porco, acaba matando-a com a mesma pistola de ar comprimido usada contra o animal.

A questão social está evidente. Fica claro que o comportamento agressivo do rapaz é diretamente influenciado pela espetacularização da violência na mídia, e pela negligência dos pais. Porém, ainda que visível, o problema aparece apenas por trás. O que o filme busca, em primeiro plano, é mergulhar fundo na mente de Benny. Por isso, a maior parte dele se dedica a seguir os passos do jovem.

Mais do que as cenas de violência, o que realmente espanta na exploração desse universo confuso é a frieza: no relacionamento da família, na postura de Benny após o assassinato, na reação dos pais quando descobrem o ocorrido, na atitude do garoto no desfecho final. A frieza é o ponto visceral, brilhantemente explorado pelo diretor, e o que faz desta uma produção forte e envolvente como poucas conseguem ser.

É comum se ouvir dizer que os filmes de Haneke são apenas "para quem tem estômago". O Vídeo de Benny é a prova maior de que a sentença não se mostra exagerada. Mas aqui, o incômodo não toma base em seqüências regadas a sangue ou pancadas e, sim, na inteligente análise crítica de uma personalidade e, acima de tudo, de uma sociedade.

Análise retirada do site Cinerevista

Você também do texto "O método de Benny: olhar, mostrar e narrar a morte", de autoria André Keiji Kunigami

QUEM FOI KAFKA? - 2006

2012-03-04T12:07:00.001-08:00

Wer war Kafka?, 2006

Legendado, Richard Dindo

Classificação: Bom

Formato: AVI

Áudio: alemão

Duração: 96 min.

Tamanho: 1, 36 GB

Servidor: Jumbofiles (5 partes) e 4Shared (torrent)

LINKS
Parte 1

Parte 2

Parte 3

Parte 4

Parte 5

Torrent

Filme+legenda

SINOPSE

Franz Kafka (1883-1924), renomado autor de A Metamorfose e O Processo, é considerado um dos escritores mais influentes do século XX. Atormentado pela insônia, Kafka escreveu quase que exclusivamente à noite. Não é de admirar que seus romances clássicos lembrem sonhos ou, mais precisamente - pesadelos. Quem foi Kafka?explora esse aspecto de sua vida e muito mais sobre a secreta e lendária figura literária que, segundo o diretor Richard Dindo, escreveu, talvez, a mais bela carta na história da literatura. Usando atores para interpretar as pessoas que melhor conheciam Kafka, o filme traz “entrevistas” com figuras históricas que respondem usando as suas próprias palavras que escreveram sobre suas relações únicas com o escritor.

The Internet Movie Database: IMDB

Franz Kafka

Especial Franz Kafka AQUI

Nasceu em Praga, filho de pais judeus de classe média. Sua infância e adolescência foram marcadas pela figura dominadora do pai, comerciante próspero, que sempre fez do sucesso material a tábua de valores – para si e para os outros. Na obra de Kafka, a figura paterna aparece associada tanto à opressão quanto à aniquilação da vontade humana, especialmente na célebre Carta ao pai, escrita em 1919.

Franz Kafka

Kafka admitiu a influência intelectual de Heinrich von Kleist, Pascal e Kierkegaard e a importância do ambiente de Praga, cidade medieval gótica, dotada de elementos eslavos e alemães e marcada pelo traço barroco e sombrio. De 1901 a 1906, Kafka estudou Direito na Universidade de Praga, onde conheceu seu grande amigo – posterior biógrafo e depositário de sua obra – Max Brod. Em seguida, passou a freqüentar os círculos literários e políticos da pequena comunidade judaico-alemã, na qual circulavam idéias e atitudes críticas e inconformistas, com as quais Kafka se identificava. Concluído o curso, empregou-se em 1908 numa companhia de seguros, como inspetor de acidentes de trabalho.

Max Brod

Apesar da competência profissional – foi promovido por duas vezes – e da consideração que lhe dispensavam os colegas de trabalho, Kafka sempre sentiu o toque da insatisfação no emprego, pois ele o impedia de dedicar-se totalmente à atividade literária. “Tudo o que não é literatura me aborrece, e eu odeio até mesmo as conversas sobre literatura”, chegou a dizer.

A vida emocional de Kafka foi conturbada, e ele teve vários noivados e amores infelizes. Essas circunstâncias acentuaram o sentimento de solidão e desamparo, que jamais o abandonaria e que se manifestou desde cedo nos fragmentos publicados em 1909 sob o título Descrição de uma luta(Beschreibung eines Kampfes). O livro seria publicado na íntegra apenas em 1936. Nessa inquietante e perturbadora narração, que passou quase despercebida à época em que foi publicada, o mundo dos sonhos – tema recorrente na obra do autor – adquire uma lógica desconcertante e obstinada – pertinaz – em meio ao real.

As obras-primas de Kafka, O processo e O castelo, respectivamente em 1925 e 1926, só seriam publicadas por Max Brod após sua morte. Tanto em O processo quanto em O castelo a ambigüidade onírica do universo kafkiano – o adjetivo virou conceito na literatura ocidental – e as situações de absurdo existencial chegam a limites jamais alcançados. Kafka não publicou essas obras por motivos diversos; do fato de julgar que mais publicações atrapalhariam os trabalhos que ainda pretendia encaminhar ao fato de elas evocarem as sombras de fases de sua vida que lhe pareciam pessoalmente constrangedoras.

Afligido pela tuberculose, Kafka submeteu-se a longos períodos de repouso a partir de 1917. Em 1922, largou definitivamente o emprego – depois de uma série de pedidos de férias – e, excetuadas algumas breves temporadas em Praga e Berlim, passou o resto da vida em sanatórios e balneários. Kafka morreu em 3 de junho de 1924, em Kierling, perto de Viena.

Contrariando o desejo expresso pelo autor de que seus inéditos fossem queimados após sua morte, Max Brod publicou romances, textos em prosa, a correspondência pessoal e diários de Kafka. No posfácio à primeira edição de O processo, Max Brod explica que, se não seguiu as ordens de Kafka, queimando sua produção inédita, é porque havia assegurado ao amigo em conversa anterior que, caso ele um dia viesse a pedir que o fizesse – mesmo em testamento –, não atenderia ao pedido. A obra do escritor tcheco veio a influenciar movimentos artísticos inteiros, como o surrealismo, o existencialismo e o teatro do absurdo.

Biobibliografia cronológica por Marcelo Bakes

1883 – Franz Kafka nasce em 3 de julho, filho mais velho do comerciante Hermann Kafka (1852-1931) e de sua esposa Julie, nascida Löwy (1855-1934), na cidade de Praga, na Boêmia, que então pertencia ao Império Austro-Húngaro e hoje é capital da República Tcheca. Kafka teve dois irmãos, falecidos pouco depois do nascimento, e três irmãs. São eles: Georg, nascido em 1885 e falecido 15 meses após o nascimento; Heinrich, nascido em 1887 e falecido seis meses após o nascimento; Gabriele, chamada Elli (1889-1941); Valerie, chamada Valli (1890-1942), e Ottilie, a preferida, chamada Ottla (1892-1943).

1889 – Kafka freqüenta uma escola alemã para meninos em sua cidade natal até o ano de 1893.

1893 – Inicia o ginásio, concluído no ano de 1901. Escreve algumas obras infantis que são destruídas logo depois.

1897 – Faz amizade com Rudolf Illowý; toma parte em debates socialistas.

1900 – Passa as férias de verão com seu tio Siegfried, médico rural, em Triesch.

1901 – Faz o exame final do curso secundário e passa suas férias, pela primeira vez sozinho, em Nordeney e Helgoland. No outono, principia os estudos na “Universidade Alemã de Praga”; começa estudando Química e em seguida passa ao Direito. Faz também alguns seminários de História da Arte.

1902 – Viaja a Munique e pretende continuar lá seus estudos de Germanística, começados no verão do mesmo ano. No semestre de inverno, decide prosseguir os estudos de Direito em Praga. Primeiro encontro com Max Brod.

1903 – Kafka tem a sua primeira relação sexual, com uma vendedora de loja. A experiência o marcaria – de insegurança – para a vida inteira. Faz a primeira de suas várias visitas a sanatório, em Dresden.

1904 – Lê Marco Aurélio e os diários de Hebbel, escritor alemão do século XIX. Inicia os trabalhos na obraDescrição de uma luta (Beschreibung eines Kampfes).

1905 – Volta a visitar um sanatório, desta vez em Zuckmantel, onde vive uma relação com uma mulher bem mais velha, o primeiro amor de sua vida.

1906 – Faz trabalho voluntário num escritório de advocacia. Em 18 de junho, é doutorado, recebendo o título de Doktor juris. No outono, faz seu estágio de um ano em dois tribunais. Escreve a obra Preparativos de casamento no campo (Hochzeitsvorbereitung auf dem Lande).

1907 – Conhece Hedwig Weiler em Triesch e tenta conseguir-lhe um emprego em Praga. Trabalha na empresa de seguros Assicurazione Generali.

1908 – Primeira publicação. Oito fragmentos em prosa, na revista Hyperion, que posteriormente receberiam o título de Consideração (Betrachtung). Em julho, passa a trabalhar no emprego que seria, ao mesmo tempo, martírio e motor de produção: a Companhia de Seguros de Acidente de Trabalho de Praga.

1910 – Toma parte em vários eventos socialistas. Entra em contato íntimo com uma trupe de atores judaicos, liderada pelo seu amigo Jizchak Löwy, citado na Carta ao pai. Viaja com Max e Otto Brod a Paris. Continua suas várias viagens de negócio.

1911 – Outra viagem de férias a Paris. Em março, participa de algumas das palestras de Karl Kraus. Com o dinheiro do pai, torna-se sócio (inativo) da fábrica de asbesto de seu cunhado Josef Pollak. Visto que Kafka se demonstrara incapaz de dirigir um negócio pessoalmente, tentou fazê-lo participando com o capital (do pai, seja dito). Continua as visitas à trupe de atores de Jizchak Löwy no Hotel Savoy e apaixona-se pela atriz Mania Tschissik.

1912 – O ano capital na vida de Kafka. Viaja com Max Brod a Weimar e conhece de perto o ambiente dos grandes clássicos, Goethe e Schiller. Na visita à casa de Goethe apaixona-se pela filha do zelador. Os oito fragmentos de prosa publicados em revista no ano de 1908 são editados em livro. Nesse mesmo ano, Kafka conhece Felice Bauer, com quem trocaria incontáveis cartas. Em setembro, escreve O veredicto (Das Urteil), sua primeira obra de importância. Em outubro, é tomado, conforme pode ser visto nos Diáriosiniciados quatro anos antes, por pensamentos de suicídio. De 17 de novembro a 7 de dezembro, escreve A metamorfose (Die Verwandlung), a mais conhecida de suas obras.

1913 – Visita Felice Bauer três vezes em Berlim. É promovido a vice-secretário da Companhia de Seguros. Trabalha ferozmente na jardinagem na periferia de Praga para esquecer as atribulações do intelecto. Viaja a várias cidades, entre elas Trieste, Veneza e Verona. Em setembro e outubro, tem uma curta relação com uma jovem suíça de dezoito anos no sanatório de Riva. No final do ano, conhece Grete Bloch, que viera a Praga para tratar do noivado de Kafka com Felice.

1914 – Continua a visitar Felice e esta vai a Praga. A correspondência com Grete Bloch torna-se cada vez mais íntima. Em 2 de junho, acontece o noivado oficial com Felice em Berlim. Kafka mora na casa de suas duas irmãs, primeiro na de Valli, depois na de Elli.

1915 – Muda-se para um quarto e vive sozinho pela primeira vez na vida. Em abril, viaja à Hungria com Elli. Kafka recebe o conhecido Prêmio Fontane de literatura, mas suas obras estão longe de fazer sucesso. A metamorfose é publicada em livro pelo editor Kurt Wolff. Entre julho e agosto, principia a escrever O processo (Der Prozess), sua obra-prima.

1916 – Permanece dez dias com Felice em Marienbad. É publicada sua obra O veredicto. Faz leituras públicas de seu livro Na colônia penal (In der Strafkolonie) em Munique.

1917 – Começa seus estudos de hebraico. Noiva pela segunda vez com Felice. Adoece de tuberculose. Viaja a Zürau e vive uma vida rural na casa da irmã Ottla, sua preferida. Em dezembro, separa-se em definitivo de Felice Bauer, depois de vários conflitos interiores, medos, alertas alucinados feitos à moça e a seus pais em cartas. Kafka, na verdade, procurava afastar a moça de si fazia anos.

1918 – Volta à Companhia de Seguros depois de vários meses de férias devido à doença. Já em Praga, acaba sendo vítima da gripe hispânica, que grassava pela cidade.

1919 – Conhece Julie Wohryzek na pensão Stüdl, em Schelesen, e vive mais uma de suas várias relações. Em abril, volta a Praga. Noiva com Julie Wohryzek, apesar de não alcançar a aprovação do pai. É publicada a novela Na colônia penal. Escreve a Carta ao pai e enfim estabelece, de maneira concreta, os problemas de relação entre ele e seu pai, indiciados em toda a sua obra ficcional. Depois de curta temporada em Schelesen, onde desta vez conhece Minze Eisner, volta a Praga em dezembro.

1920 – É promovido a secretário da Companhia de Seguros e seu salário é aumentado. Troca intensa de cartas com sua tradutora para o tcheco, Milena Jesenská. Viaja a Viena, onde Milena reside, e passa quatro dias com ela. Escreve várias narrativas curtas. Termina o noivado com Julie Wohryzek. Escreve um esboço para O castelo (Das Schloss). Em dezembro, volta ao sanatório em Matliary (Alto Tatra, nos montes Cárpatos).

1921 – Continua em Matliary. Faz amizade com Robert Klopstock. No outono, volta a Praga. Entrega todos os seus diários a Milena.

1922 – Começa a escrever O castelo, a mais extensa e mais ambiciosa de suas obras. É promovido a secretário-geral da Companhia de Seguros. Escreve Um artista da fome (Ein Hungerkünstler). Aposenta-se devido à doença. Passa alguns meses com Ottla, sua irmã, numa residência de verão em Planá. Kafka avisa a Max Brod que depois de sua morte ele deve destruir todas as suas obras.

1923 – Volta a estudar hebraico. Faz planos de mudar-se para a Palestina. Conhece Dora Diamant. Torna a passar dois meses com sua irmã Ottla em Schelesen. Em final de setembro, muda-se para Berlim, onde vive com Dora Diamant. Escreve A construção (Der Bau).

1924 – Em março, volta a Praga. Escreve sua última narrativa curta, Josephine, a cantora (Josephine, die Sängerin). O pai de Dora Diamant não concorda com um noivado entre a filha e o escritor. A partir de abril, vive com Dora e Robert Klopstock no sanatório Hoffmann, em Kierling, onde Kafka vem a falecer no dia 3 de junho. É enterrado em Praga. No verão, é publicado o volume Um artista da fome.

Retirado do site LPM

Informativo

2012-03-04T10:12:00.000-08:00

Coleg@s, caso vocês encontrem dificuldades em extrair os arquivos, sugiro que utilizem o programa 7zip. Uma vez de posse desse programa vocês podem extrair normalmente os arquivos mesmo que apareçam mensagens do tipo "erro" ou "arquivo corrompido".

Link: http://www.baixaki.com.br/download/7-zip.htm

Se preferirem baixar por torrent, sugiro que baixem o programa de compartilhamento utorrent.

Link: http://www.baixaki.com.br/download/utorrent.htm

O GUIA PERVERTIDO DO CINEMA - 2006

2012-03-02T08:42:00.001-08:00

The pervert's guide to cinema, 2006

Legendado, Sophie Fiennes

Classificação: Bom

Formato: AVI

Áudio: inglês

Duração: 141 min.

Tamanho: 690 MB

Servidor: Jumbofiles (4 partes), Crocko (3 partes) e 4Shared (torrent)

LINKS
Parte 1

Parte 2

Parte 3

Parte 4

OU

LINKS
Parte 1
Parte 2
Parte 3

Torrent

Filme+legenda

SINOPSE

O que pode a psicanálise dizer-nos sobre o cinema? Esta é a pergunta a que THE PERVERT´S GUIDE TO CINEMA se propõe responder. O filme conduz o espectador através de uma estimulante viagem por alguns dos maiores filmes de sempre. O guia e apresentador é Slavoj Zizek (lê-se Slavói Chichec), o carismático filósofo e psicanalista esloveno. Na sua apaixonada abordagem ao pensamento, vasculha a linguagem escondida do cinema, revelando o que os filmes podem dizer-nos sobre nós próprios. Seja destrinçando os enigmáticos filmes de David Lynch, ou deitando por terra tudo o que se pensava saber sobre Hitchcock. O filme estrutura-se a partir do próprio mundo dos filmes que discute; filmado em ambientes originais ou em réplicas dos cenários, cria-se a ilusão que Zizek fala a partir do interior dos próprios filmes. “The Birds” e “Psycho”, de Hitchcock são abordados por Zizek, considerando que aquele realizador é, provavelmente, o mais freudiano de todos. Prestem atenção à comparação que Zizek faz entre os três andares da assustadora mansão de Norman Bates (“Psycho”) e o conceito freudiano de Id, Ego e Superego. O psicanalista esloveno expõe os seus argumentos de forma tão natural e convincente e ao mesmo tempo tão rápida, que a nossa mente começa a girar vertiginosamente. Está estruturada em três partes: a primeira, está dedicada a Alfred Hitchcock e Lynch, e é sobre a diferença entre a realidade e os desejos; a segunda, é sobre a libido e a terceira é sobre a eficiência das aparências, centrada principalmente na obra de Tarkovsky e Chaplin.

Vale destacar que Zizek se despe do jargão acadêmico de filósofo, embarcando num registro que lhe permite intercalar alguns momentos em que expõe raciocínios conceitualmente apurados com outros em que mostra toda a sua comicidade.

Fonte: Filmow

The Internet Movie Database: IMDB

A DAMA DO CACHORRINHO - 1960

2012-03-01T14:33:00.000-08:00

Dama s sobachkoj, 1960

Legendado, Iosif Kheifits

Classificação: Excelente

Formato: AVI

Áudio: russo

Duração: 83 min.

Tamanho: 1,36 GB

Servidor: Jumbofiles (4 partes) e 4Shared (torrent)

LINKS

Parte 1

Parte 2

Parte 3

Parte 4

Parte 5

Torrent

Filme+legenda

SINOPSE

Ialta, verão de 1899. Dmítri Gurov, banqueiro moscovita, apaixona-se pela jovem Ana Sierguéievna, que passeia sempre com seu cachorrinho. Ele vive um infeliz casamento arranjado; ela afunda-se numa união sem amor. Ambos de férias sem seus cônjuges, Dmítri e Ana começam uma relação amorosa. Após breve período, ela regressa a Saratov e ele a Moscou, acreditando que ser este um adeus definitivo. Por todo o inverno, Dmítri sente-se infeliz, melancólico e irritadiço. Em desespero, ele decide ir a Saratov, surpreendendo Ana num concerto. Temendo ser descoberta em sua cidade natal, ela promete ir a Moscou revê-lo. Abdicarão eles de suas reputações para viverem juntos ou será uma relação inconstante, marcada por encontros furtivos em quartos de hotel?

Baseado no conto de Anton Tchekhov, A Dama do Cachorrinho é um belíssimo filme sobre o amor, nomeado à Palma de Ouro em Cannes.

The Internet Movie Database: IMDB

Sobre o conto de Tchekhov

Anton Tchekhov escreveu o conto A dama do cachorrinho, uma de suas obras-primas, no final de 1899, quando se encontrava em Ialta, época em que sua saúde estava seriamente abalada. Maximo Gorki, amigo de Tchekhov, escreveu-lhe, após ter lido esse conto: “Li sua Dama. Sabe você o que está fazendo? Está matando o realismo. E acabará de matá-lo. Em breve há de liquidá-lo por muito tempo. Essa forma já viveu o que tinha de viver – é um fato! Ninguém pode ir mais longe que você por esta senda, ninguém pode escrever com tamanha simplicidade sobre coisas tão simples, como você sabe. Depois do mais insignificante de seus contos, tudo o mais parece grosseiro e escrito não com a pena, mas com um pedaço de pau. E, principalmente, tudo parece não simples, isto é, inverídico. É verdade (...) E quanto ao realismo, você vai exterminá-lo mesmo. Estou contente ao extremo. Chega! Diabo que o carregue!”

Anton Tchekhov

Gorki prossegue com sua carta para o amigo Tchekhov: “Com efeito, chegou o tempo de se necessitar de algo heróico: todos desejam algo excitante, colorido, que não seja parecido com a vida, mas sim mais elevado que ela, melhor, mais belo. É absolutamente indispensável que a literatura atual comece a enfeitar um pouco a vida e, logo que ela o comece, a vida se embelezará, isto é, os homens viverão de modo mais veloz e vibrante. E, agora, veja que olhos ordinários eles têm: enfastiados, turvos, congelados”.

Sobre essa almejada transformação da literatura, realizada por Tchekhov, continua Gorki: “Você realiza uma obra colossal, com seus pequenos contos, despertando nas pessoas uma repulsa por esta vida sonolenta, meio morta – diabo que a carregue! A sua dama causou-me tamanha impressão que, apenas a conheci, quis trair minha mulher, sofrer, brigar etc. Mas não traí a mulher, pois não havia com quem, apenas briguei com ela decididamente e fiz o mesmo com o marido da irmã dela, meu amigo do peito. Vai ver que você não esperava tamanho resultado? Mas não estou brincando: aconteceu isso mesmo. E não é comigo apenas que acontecem coisas assim, não ria. Seus contos são frascos elegantemente facetados, contendo todos os perfumes da vida, creia-me! Um olfato sensível sempre encontrará neles o perfume fino, penetrante e sadio do “real” verdadeiramente necessário e precioso que sempre existe em cada um de seus frascos. Bem, vou parar, senão vai pensar que estou lhe fazendo cumprimentos”..

Ainda, sobre a repercussão do conto de Tchekhov, A dama do cachorrinho, agora com a manifestação de Tolstoi, como foi anotado no seu diário, em 16 de janeiro de 1900: “Li A dama do cachorrinho, de Tchekhov. Sempre Nietzche. Pessoas que não elaboraram em si uma clara visão do mundo, que separe o bem e o mal. Antes se intimidavam, ficavam à procura, mas agora, acreditando encontrar-se além do bem e do mal, permanecem aquém, isto é, quase uns animais”.

T.L. Chechépkina-Kupérnik afirma, em suas reminiscências: “Seus pequenos contos valem as obras em muitos volumes de outros. Tome-se, por exemplo, A dama do cachorrinho: Turgueniev teria aí tema para um romance inteiro. Tchekhov acomodou-o em algumas dezenas de páginas, mas nessas páginas se vê e se sente não só o drama pessoal de duas ou três pessoas, mas todo o quotidiano da ‘intelienguêntzia’ de então, que se sufocava sob os pesos dos preconceitos, das noções falsas sobre decência etc, que muitas vezes destruíam a vida e o íntimo das pessoas”.

Em A dama do cachorrinho, Tchekhov criou o personagem Gurov, homem casado, que, na estação de veraneio de Ialta, conheceu a dama do cachorrinho, Ana Sierguieivna, mulher também casada, que, uma semana após o primeiro encontro, levou-o ao seu quarto. O que se passa na mente de Ana e Gurov, nesse primeiro encontro, é contado com sutileza e maestria por Tchekhov. Passado algum tempo, Ana regressa para sua casa, numa província perto de Moscou, e Gurov regressa a Moscou e reassume o seu trabalho no banco. Gurov não conseguindo esquecer Ana, procurou-a mais tarde em sua casa; com medo de ser descoberta pelo marido, prometeu encontra-se com ele em Moscou. A partir daí passaram a encontrar-se a cada dois ou três meses; os amantes convencem-se de que foram feitos um para o outro; mas não há uma solução definitiva para o caso; Tchekhov deixa o desfecho por conta do leitor.

Essa falta de conclusão no conto A dama do cachorrinho espantou os críticos de Tchekhov, como V. Burênin, que escreveu no Nórvíe Vrênia, em 25 de janeiro de 1900: “O final nas obras deste literato de talento surge no ponto em que, segundo parece, deveríamos esperar o verdadeiro trabalho do criador”. Além do caráter fragmentário do conto, outros críticos fizeram restrições ao conto sob o aspecto moral. Hoje, evidentemente, tais críticas não seriam feitas por críticos sérios, quer quanto à forma, quer quanto ao seu conteúdo.

A dama e o cachorrinho e outros contos, obra publicada no Brasil pela editora 34, em 1999, com a tradução do conceituado Boris Schnaiderman, que também foi o responsável por um excelente Posfácio, do qual extraí os trechos que se relacionam com Tchekhov e Gorki, além de Tolstoi, T.L. Chechépkina-Kupérnik e V. Burênin. As publicações anteriores foram feitas em 1959 pela Civilização Brasileira, e pela Max Limonad, em 1985 e 1986. (Ver Anton Tchekhov, Mestre do Conto.)

REFERÊNCIAS
TCHEKHOV, Anton Pavlovitch. A dama do cachorrinho e Outros Contos. Trad. de Boris Schnaiderman. São Paulo: Editora 34, 1999.
MASON, Jayme. Mestres da Literatura Russa. Rio de Janeiro: Editora Objetiva, 1995.

LAFFITTE, Sophie. Tchekhov. Tradução de Hélio Pólvora. Rio de Janeiro: José Olympio Editora, 1993.

Análise retirada do site panorama-direitoliteratura

CHICO E RITA - 2010

2012-02-29T14:05:00.000-08:00

Chico and Rita, 2010

Legendado, Tono Errando, Javier Mariscal e Fernando Trueba

Classificação: Bom

Formato: AVI

Áudio: espanhol

Duração: 91 min.

Tamanho: 700 MB

Servidor: Jumbofiles (4 partes) e 4Shared (torrent)

LINKS
Parte 1

Parte 2

Parte 3

Parte 4

Torrent

Filme+legenda

SINOPSE

O filme, que se passa em Cuba no ano de 1948, conta a história de Chico e Rita; ele é um jovem pianista apaixonado por jazz, e ela sonha em ser uma grande cantora. Em um baile, em Havana, eles se conhecem. O destino que os juntou à fama os separa, uma trama vivida como personagens de um bolero. É aí que está o grande charme do filme: a música. O amor pela música e cultura cubana foi o mote para unir Trueba e Mariscal nesta saga, que oferece ao público uma recriação inspiradora daquela época.

The Internet Movie Database: IMDB

SINAIS DE VIDA - 1968

2012-02-28T16:04:00.001-08:00

Lebenszeichen, 1968

Legendado, Werner Herzog

Classificação: Excelente

Formato: AVI

Áudio: alemão e grego

Duração: 91 min.

Tamanho: 700 MB

Servidor: Jumbofiles (4 partes) e 4Shared (torrent)

LINKS

Parte 1

Parte 2

Parte 3

Parte 4

Torrent

Filme+legenda

SINOPSE
Soldado alemão locado em uma unidade na Grécia enlouquece e toma um forte repleto de explosivos, ameaçando destruir toda a cidade. Primeira obra-prima de Herzog é um marco do Cinema Novo alemão, realizado a partir dos pressupostos do Manifesto de Oberhausen.

The Internet Movie Database: IMDB

O Manifesto de Oberhausen

"Em fevereiro de 1962, durante a oitava edição do Festival Nacional de Curtas-Metragens de Oberhausen (um dos eventos criados pelo governo da Alemanha para incentivar o cinema nacional), um grupo de 26 cineastas publicou o breve e poderoso manifesto que marcaria a mais importante reação coletiva a esse estado de coisas:

O colapso do cinema convencional alemão há muito tempo impede uma atitude intelectual e o rejeitamos em suas bases econômicas. O novo cinema tem, assim, a chance de vir à vida. Em anos recentes, curtas-metragens alemães, realizados por jovens autores, diretores e produtores, receberam inúmeros prêmios em festivais e atraíram a atenção de críticos de outros países. Esses filmes e o sucesso por eles alcançado demonstram que o futuro do cinema alemão está com aqueles que falam um nova linguagem cinematográfica. Como em outros países, o curta-metragem na Alemanha tornou-se um espaço de aprendizado e uma área de experimentação para o filme de longa-metragem. Declaramos que nossa ambição é criar o novo filme de longa-metragem alemão. Esse novo filme exige liberdade. Liberdade das convenções de realização cinematográfica. Liberdade das influências comerciais. Liberdade da dominação do interesse de grupos. Nós temos ideias intelectuais, estruturais e econômicas realistas sobre a produção do Cinema Novo alemão. Nós estamos prontos a correr os riscos econômicos. O velho cinema está morto. Nós acreditamos no novo cinema. (Oberhausen, 28 de fevereiro de 1962)

Entre os signatários do manifesto estavam Alexander Kluge, Peter Schamoni, Edgar Reitz e outros jovens artistas e produtores, alguns dos quais se consagrariam nos anos seguintes. O grupo, originário de uma classe média em ascensão, que chegava pela primeira à universidade, queria demarcar novos campos estéticos e ideológicos. Para isso, espelhava-se nos movimentos intelectualizados que se organizavam em várias partes do mundo, encabeçados pela Nouvelle Vague francesa.

Se o ambiente cinematográfico internacional já era um incentivo às mudanças e aos questionamentos, a situação política da Alemanha também reforçava essa tendência. Nos anos que precederam o manifesto, o país enfrentara várias crises internas. Em agosto de 1961, fora erguido o Muro de Berlim. No mesmo ano, o julgamento de Eichmann, em Jerusalém, havia revelado detalhes brutais dos crimes praticados pelo regime nazista. Além disso, a censura à liberdade de expressão comandada pelo chanceler Konrad Adenauer causara uma onda de protestos (Kaes 1997, p. 614).

As questões relativas ao cinema nacional alemão não eram menos importantes. De acordo com Julia Knight (1992, p. 27), se, logo após a guerra, houve grande resistência à presença de profissionais que haviam pertencido ao partido nazista, em pouco tempo eles seriam preferíveis aos comunistas. Segundo a autora, em 1960 cerca de 40% do técnicos que estavam trabalhando na Alemanha haviam sido proeminentes no cinema nazista. Do ponto de vista comercial, era também um momento crítico. Com a popularização da TV no começo da década de 1960, o mercado exibidor entrara em crise no mundo inteiro. Na Alemanha, os cinema haviam perdido mais de três quartos do seu público (Kaes 1997, p. 614). Assim, para os jovens cineastas, a queda espetacular do cinema comercial, aliada à crise de identidade que assolava o país, oferecia a chance e o incentivo para novas experiências.

Mas seu clamor por um novo cinema que rompesse definitivamente com o passado não estava livre de contradições. Por um lado, o manifesto lembrava pronunciamento modernistas do começo do século XX, em sua romântica defesa da liberdade autoral em relação ao lucro ou ao desejo da audiência. Por outro, os signatários do texto produziram um cinema que procuraria desesperadamente por seu público e pelo apoio de distribuidores e exibidores. As relações dos rebeldes com Hollywood eram igualmente dúbias. Como nota Corrigan (1994, p. 3), o cinema norte-americano era encarado por eles tanto como propaganda imperialista, quanto como imagem almejada de redenção e excelência técnica. Além disso, se a proposta de uma separação entre o novo e o antigo cinema complicou a relação com a indústria local dependente do poder público, o desenvolvimento de um novo cinema não poderia abrir mão do financiamento do governo.

Todas essas contradições não passaram desapercebidas, nem para os críticos do movimento, nem para seus próprios integrantes. O que se viu nos anos seguintes, então, foi uma série de experiências e conflitos em todos os campos da atividade cinematográfica que acabariam gerando, anos depois, frutos de grande impacto artístico no mundo todo." (CÁNEPA, pp. 313-315)

O texto acima é de autoria de Laura Loguercio Cánepa, e faz parte do livro "História do cinema mundial" organizado por Fernando Mascarello.